LA LIGERA BRUMA DE LA OPACIDAD

SALÓN DE ARTISTAS QUINDIANOS. 

2014.

“ LA LIGERA BRUMA DE LA OPACIDAD”

(Instalación que participo en el  XII salón de artistas quindianos 2014. 
NO premiada, ni mencionada,
y de difícil reseña, ya que el catálogo oficial no lo hace).

¿Para qué se hace un salón de artes plásticas?

Para promocionar una empresa social, un paisaje cultural, un proyecto de gobierno…
Para la cita cultural del ambientillo cool de la región.

O para presentar propuestas estéticas que hablen de nuestra sociedad, de nuestro entorno social o espiritual; para que los artistas intenten acercamientos simbólicos a los conflictos que como seres humanos vivimos a diario. Un salón no recurre a paños de agua tibia, ni recetas médicas para curar nada; es la apertura de interrogantes y de cuestionamientos que pretenden dirigir la mirada hacia los aspectos candentes de nuestro tiempo. Un salón no puede pretender crear una imagen de belleza y armonía regional, ya que esa grande belleza aunque existe, está en crisis y algunas raíces centenarias carcomidas.

Cuando un salón da salida a estos diálogos o debates estéticos, se puede decir que es un salón abierto. Cuando las censuras no operan ––como lo han hecho en el pasado––, se puede encontrar vetas de riqueza en los matices y los planteamientos de los artistas que en él participan.

Ahora bien, existen instituciones que debido a su dinámica de lobby corporativo frente al establecimiento, no pueden asumir premios o reconocimientos a obras que pongan en entredicho la estructura política y burocrática sobre la cual se sustentan. En el caso de un museo en ciernes que funciona en razón de los aportes políticos y gubernamentales, evitaría hasta donde fuese posible, obras de ruptura o confrontación; y con sus jurados al uso, premiaría obras en donde el componente revulsivo no fuese demasiado obvio. De esta manera, se tendería un manto de opacidad sobre el salón y dejaría las obras más polémicas en un segundo y tercer plano.

Afortunadamente, la gente que va a los museos o galerías, en buena parte, ha tenido cierta formación estética, por afición o porque de una u otra manera está en el medio de las artes. La información que se encuentra hoy en día, está al alcance de la mano para el que quiera, con un poco de curiosidad y de tiempo, hacerse a una mediana ilustración. Podríamos concluir que, es en última instancia el espectador bien informado es el que de veredicto final.

¿Qué busca un jurado decente e imparcial, para destacar en un premio de esta categoría? ¿Originalidad, ideas, o técnica? esa es la pregunta que nos hacemos. Si como le oí decir a una de las directivas del museo, los jurados decían que esta o aquella obra  tenían cierto  tufillo a Déja vu; y que como tal no tenía muchas posibilidades; entonces esta triada de jurados, fue a las riveras mainstream y de paso en comodidad, premió obras que ya en el panorama nacional e internacional estaban realizadas y contra realizadas.   Ejemplo:

"Los males necesarios" 

Jorge Agudelo Lopez

OBRA GANADORA DEL SALON DE ARISTAS QUINDIANOS

Se parece mucho a:

IZQUIERDA: OBRA DE JOSEPH CORNELL(1943) / DERECHA OBRA DE DAMIEN HIRTS "BOTIQUIN". 2000

Plagiadas y con remakesde tercera generación. Este solo ejemplo y el articulo al que vincula el link, daría por terminada la discusión. No valdría la pena insistir en el tema. pero sigamos.....

En el arte hay que decirlo, casi todo se ha hecho, (y digo casi todo, ya que si bien en los aspectos formales del arte presente o futuro,  la técnica informática esta al orden del día; en el campo de las artes representativas y conceptuales, no se pueden encontrar fácilmente obras que no tenga un referente directo en el arte de la modernidad y de las vanguardias). No solo en Colombia, ni en latinoamerica. El arte mundial, ha entrado en una etapa de hibridación acelerada por las autopista de la información que casi cualquier cosa puede encontrar replicas honestas y otras intencionales; es solo dar una vuelta por la web para encontrar decenas, sino centenas de estos ejemplos. Todas las obras del salón tenían hipervínculos claros con obras de artistas vivos y fallecidos y por lo tanto, bajo estas premisas, no se podría decir que una obra fuese más original que otra. Lo que debería llamar la atención de un jurado sería la utilidad creativa que se le dé a esa tradición, respetando claro esta, las referencias originales, e impidiendo la insistencia desvergonzada en el cliché. La posibilidad de generar ideas nuevas y actuales dentro de un ejercicio de la plástica a partir de obras emblemáticas e historicas. Ya A.C. Danto decía que en el arte contemporáneo los siclos recomienzan y la apertura para todas las ideas y las técnicas están al orden del día. No se puede pretender que  prime una tendencia, o una técnica, porque ya todas están de alguna manera asimiladas por el medio.

Cuando las vanguardias fueron fagocitadas por el museo, cuando las corrientes más reacias al establecimiento se convirtieron en parte de la doxa; entonces a los artistas les quedaba pocos caminos y alternativas a seguir: se convertían en técnicos especializados de la sociedad del espectáculo o se retiraban y se convertían en rebeldes en los extramuros. Ahora está planteado el tema desde este punto de vista muchos teóricos como José Luis Brea. En su conocida y comentada obra El tercer umbral (2003)  plantea esta dicotomía. El artista, a nuestro pesar, cada vez más se convierte en un especialista cuyo campo se encuentra en la sociedad de la información. Al ser neutralizados una buena parte de sus postulados críticos, el artista deviene en publicista y entertainment, en armador de shows y en funcionario simbólico, cuando no, en chef de haute cuisine. Al parecer en nuestro país una buena parte de los artistas y de la academia se ha plegado voluntariamente al postulado del artista como un técnico y operario dentro de la sociedad del espectáculo; otros han escogido la vertiente pragmática y estructural del artista como funcionario. Es de obligación mencionarlo ya que afortunadamente en nuestra región, vemos colectivos de jóvenes artistas ––que por cierto no fueron reconocidos por los jurados ya que sus obras fueron señaladas con menciones muy diluidas–– que resiste y da una buena demostración de lo que es el arte en pleno ejercicio de crítica social y conceptual; arte que para otros críticos de mayor solvencia intelectual e independencia, es el arte que a pesar de todo, prevalecerá.

Había obras importantes que por su calidad técnica merecían premio. Había obras que por su calidad conceptual merecían premio. Una de ellas solo fue reconocida con mención y a las otras ni se les mencionó. Este salón, aun teniendo obras que  expresaban originalidad y actualidad, fue enmascarado por un ligero velo tejido por sus jurados. Pasaría por anodino y por salón de té. Pasaría, si esas obras no estuviesen ahí. Estaban ahí y estuvieron ahí; pero no fueron registradas ni siquiera audio visualmente. Ese tipo de obras se quedan en la retina de los espectadores como fantasmas inteligentes y ruidosos en una casa de colonización antioqueña. Preferimos mil veces esos poltergeist desterrados de la historia plástica de nuestro departamento, que las estampillitas empacadas al vacío y descafeinadas para paisaje cultural cafetero y parque temático, que trataron de vendernos los jurados.

(Obra no premiada, ni mencionada. 

De difícil reseña ya que el catálogo oficial no la registra).

 No pudimos averiguar el nombre del artista o la artista.

Los poltergeist comienzan a ser más interesantes, bajo cierta bruma de opacidad.

Vemos que en el pasado salón de artistas quindianos, la gran mayoría de las obras críticas, problemáticas e incomodas, quedaron reducidas a un segundo plano y se le dio protagonismo a la obra light. Entonces queda la impresión de que no hubo censura, pero si un refinado ejercicio de pasteurización. Dando de esta manera la sensación de un salón edulcorado; exposición en donde el espectador que fue a ver las obras tuvo que encontrar lo importante y significativo detrás de una cortina invisible.

De otra parte, sabemos que el ejercicio de quitar el velo corre por cuenta de quienes tienen la obligación de hablar sobre ello.  Eso es lo importante; los artistas verdaderos no participan en pro de un premio; participan para decir, expresar, impugnar, mirar de manera crítica la realidad. No para enmascararla, ni para suavizarla y mucho menos para maquillarla. El arte crítico, como el apóstol Tomás, va directo a la herida y mete el dedo en la llaga. El arte del que hablamos no es la publicidad para el paisaje cultural cafetero; (bella publicidad que sirve a los funcionarios museísticos y los políticos que utilizan dicho eslogan como parte de su arsenal propagandístico). El arte NO  va detrás de los eslóganes y consignas; crea su propia campaña de fuerza y de espiritualidad. El arte no se aísla; entra en la fiesta con la máscara de la muerte roja, como en el cuento de Poe. No para epatar mediante la violencia; sino para dejar en claro que, esa violencia que se oculta detrás de los estamentos del poder (viejos y nuevos), y que como momias y zombis de Walkin Dead siguen marchando y bailando; constituyen la verdadera peste enemiga de la paz.
Matizando y aligerando las ultimas lineas, coincidimos con la politóloga belga Chantal Mouffe que en esa arena de confrontación simbólica:.."Lo que se necesita es por tanto una estrategia cuyo objeto sea desarticular la hegemonía existente por medio de una serie de intervenciones contra-hegemónicas, para establecer otra más progresiva gracias a un proceso de rearticulación de elementos nuevos y viejos en una diferente configuración de poder"

"Café Amargo"

Obra no premiada, ni mencionada. 

Y de difícil reseña ya que el catalogo oficial no lo hace

Es de lamentar que unas buenas obras, en lo técnico y lo conceptual utilizasen el vocabulario de la clase política tradicional. Una jerga que por desvalorizada y manida no debería ser usada por los artistas; eso devaluó sus obras ya que las puso al nivel de una crítica politiquera. Eran buenas obras, pero hubiese sido importante haber elegido otros títulos, para no caer en la crítica coyuntural de quienes ocupan una buena parte del espacio mediático que copa la atención del imaginario público. Y no nos referimos a utilizar un título, para mediante un ejercicio de ironía cruzar de significados una obra. En efecto, sabemos que,  si se utiliza un eslogan, palabra, etiqueta o consigna, que ha sido gastada por las castas políticas tradicionales en pugna por el poder; esta pierde efectividad semántica y evocativa. Desde GRIFFOS DE NNEON creemos que una de las muchas funciones de las artes es la de empoderamiento de la sociedad civil frente al estatuto de la política. El artista sabe que su crítica va dirigida a vulnerar una parafernalia estética en la que se ampara la comparsa del establecimiento. El artista en confrontación, muchas veces, enfoca su batería contra esa superestructura de símbolos mediatizados por la prensa oficial y las cajas de resonancia del Golem alienante. Y es, desde esta posición, en donde se puede intentar crea un nuevo código poético. De alguna manera el capital se hace espíritu de mercancía y dispone de la más alta estrategia publicitaria; el arte se hace resistencia y dispone de símbolos en rebeldía.

El debate siempre está presente. Este es uno de los postulados que desde Griffos de NNeoNN hemos planteado en contra del comisariato enquistado en las oficinas burocráticas  de la cultura. Estos comisarios están para hacer relaciones públicas, apurar recursos y hacer dinero con los impuestos de los contribuyentes; no para declarar conflictos estéticos o conceptuales frente a quienes les dan de comer sus pardas lentejas. Ahora, en nuestra región, se está dando un caso muy recurrente; la coincidencia de intereses entre algunos representantes de la academia más obsecuente y decadente con los representantes de la clase política en las corporaciones culturales. Y debemos aclarar de nuevo que se trata de algunos sectores; los mismos que van detrás de los presupuestos públicos de las universidades en franco maridaje con alcaldes y gobernadores de todas las pelambres. Aquellos, a quienes se destinan los jugosos contratos que las secretarias de cultura tienen para los conmilitones de sus afectos. Que "esclarecidos" funcionarios del Alma máter, se plieguen a los intereses de quienes ejercen desde las corporaciones culturales y museísticas para llenar sus faltriqueras y de paso opacar la obra de artistas independientes, es algo que no encaja. Al paso que vamos…

El balance, a pesar de lo anterior (es decir a pesar de premiaciones cuasi-institucionales para una corporación en busca de aportes políticos, que estaba impedida de presentar en prensa, obras más contundentes y significativas). Es positivo; se pueden ver trabajos serios, búsquedas y procesos en torno a la plástica local. La organización se podría decir que más o menos eficiente; y a pesar de un catálogo que deja mucho que desear, ya que no se justifica que un salón de artista tenga un afiche y un un brochure para salir del paso, cuando para la realización del mismo evento, se invierte un poderoso presupuesto; es algo que deja un prurito de vergüenza ajena. Una muestra más de la falta de tacto en el ejercicio de la cleptomanía, que ya debería estar reducida a sus justas proporciones puesto que tiene dilatada historia. Falta de visión a futuro; no de presupuesto ––porque lo había––; simplemente se requería el gesto; el hecho  de mirar las artes plásticas del departamento del Quindío con respeto. Respeto que pasa por un catálogo decente. Un catálogo en toda regla, donde al menos se muestren todas las obras seleccionadas como en anteriores ocasiones se ha hecho; para que quede constancia en fotografía, de lo que allí se expuso. Hubo artistas que desarrollaron trabajos a conciencia, invirtiendo con más generosidad que lo gastado por este colectivo de funcionarios y enchufados en los papeles testimoniales. Claro está, que la respuesta a estas inquietudes es la misma de siempre: “No hubo presupuesto”. Volverlo a repetir es nuestra obligación, no puede ser que en este departamento, tenga más importancia cualquier verbena sandunguera con puñaladas al despecho en carrilera; cualquier aquelarre reggeatonero con nalgas estroboscópicas en convulsiones de perreo; cualquier espectáculo de plaza de Bolívar con replicante de baladista periclitado y bien muerto, salido de la factoría de un reality show en tarima publica;  que un salón regional de artes plásticas en donde el imaginario estético de una región participa con sus artistas (Algunos pueden creer que nos ponemos duros con estos comentarios...¿quieren ver algo duro? vean cualquier videoclip de Lana Del rey). Los presupuestos al Panem et circences también deben tener un límite y no deberían guiarse siempre por “exquisitos”  gustos de las familias, tribus y gangs que se han hecho con el botín de la cosa pública.

(Afortunadamente por los lados de la Madre Patria….parecen llegar vientos renovadores e inspiradores. La sociedad civil de la Iberia y muchos de sus artistas, están mostrando caminos…pero esa es otra historia que requiere de ciudadanos en camino de conciencia, no de rebaños Matrix).

P.I.B. Producto interno bruto. Pintura de Omar Garratz.

 Obra no mencionada en catálogo oficial.

  No encaja con las políticas de lobby del museo.

También, por que toda la pintura ha sido desterrada 

de los preceptos conceptuales de los curadores que posan de vanguardistas. 

Para los artistas del Quindío, quienes con obras de buena factura y alto valor simbólico participaron en el salón;  y para los otros artistas, que siguen creando desde la soledad de sus talleres o participando de colectivos de la plástica, y que todavía creen en el arte como elemento estético de conocimiento, de búsquedas espirituales y crítica social.

De parte del colectivo de GRIFFOS DE NNEONN:

¡Sinceras felicitaciones!

GRIFFOS DE NNEONN.

CLÁSICO DE THIN LIZZY "WISKEY IN THE JAR"

GARY MOORE- PARISIEN WALKWAYS

LOS IGNICIONISTAS

¿Quiénes son los Ignicionistas?

El Ignicionismo no es una nueva ideología, no es una corriente intelectual, ni tampoco es una nueva terapia de autoayuda que nos traerá la solución a un devenir mental no elegido. Claudio Molinari Dassatti, escritor y traductor argentino afincado en Madrid, tampoco es el líder de nada más que de su propia inquietud artística, digamos, humana. Germen de una corriente de escritos que tendrán al hombre y su modernidad como centro, nace el Manifiesto Ignicionista, recordando a los de las vanguardias del siglo pasado, en el que se reparten bofetadas intelectuales para despertar de la pasiva distracción, cuestionar la industria del arte y la misma relación del hombre con su creación. “Nosotros no multiplicamos la nada. Nuestros actos serán únicos o ningúnicos”.

Frente a la preponderancia de la difusión sobre la creación, del diseño sobre el contenido y de la repetición constante en vez de la originalidad, los ignicionistas nos invitan a quemar todo lo que creamos innecesario para evitar perdernos en la confusión del arte institucionalizado.

Cuando el arte deja de convertirse en una creación espontánea, ¿de qué podríamos estar hablando?

El arte o un asesinato pueden ser espontáneos. El tema no es cómo nace la idea sino qué se hace con ella, si la dejamos macerar en el cajón o la soltamos cruda, si la engalanamos de modo que tenga más capas, más profundidad, más fractalidad… Después están las ideas repentinas, esas que hacemos por diversión y punto. Pero no son lo mismo y no pueden justificarse del mismo modo.

Si arte y pensamiento es reproducido, ¿qué papel tiene el ser humano?

El ser humano tiene el papel de percatarse de ese detalle. No se puede crear sin tener en cuenta la realidad, de la misma manera que o se crea ignorando el punto de vista del lector. Perdón, pero yo siempre enfoco desde el punto de vista del que escribe…

¿Cuál es el idioma de los ignicionistas?

Creo que sería un idioma para hablar de cómo crear, una estética consecuente con el medio hipersaturado con el que interactuamos, e incluiría el amor por lo sucinto, el desprecio de la obviedad y el recorte sin piedad de lo innecesario.

Cuando se ironiza lo absurdo, al menos, parece que se desvela el manto de obviedad, ¿no crees?

Cuando veo que la gente se espanta y se pone humanitaria, es inevitable que me de la risa, porque nosotros somos lo absurdo, los humanos. Somos la raza que mata y destruye todo lo que encuentra a su paso. Lo envenenamos todo y lo que no envenenamos lo matamos. Expoliamos y explotamos para que no nos expolien y exploten. Somos nuestros propios verdugos, verdugos-suicidas, y la historia no es más que un compendio de destrucción, muerte y horror, de autoflagelació. Y quien diga que no es parte de ello es porque tiene alguna casta de intocables que lo hace por él. Eso somos los humanos

Ahora bien, si partimos de ahí quizá podemos empezar a hablar de la obviedad. Los rusos tienen un dicho: ‘todo chiste contiene un poco de humor’. Lo dicen porque el resto es solo verdad ignorada.

El Ignicionismo como una corriente ideológica, pero ¿se cumple la paradoja que ironizaba Groucho Marx acerca de no pertenecer a un grupo que tuviera a uno mismo por socio?

Yo traduje a Groucho y tuve que leer mucho sobre él. Groucho era ante todo un tipo muy sincero. Una vez le preguntaron: ‘¿Cuál es la principal causa del divorcio?’ El contestó: ‘El casamiento’. Como ves, volvemos a la teoría rusa del humor. Volviendo a tu pregunta, cuando hice la primera tirada del manifiesto, salí a pegarlo con la idea de que quien lo considerara útil lo despegara y se lo llevara a su casa. Cada uno toma lo que necesita y creo que somos muchos los que nos sentimos estafados con esta producción masiva de cultura, o ‘contenido’, que es como se llama ahora a este alud de desasosiego.

El fuego, ¿único aliado para interrumpir la deriva contradictoria de la contemporaneidad?

La contemporaneidad no es nada contradictoria, lo que vivimos es fordismo cultural a tope y se nota. Fíjate en Dan Brown, por ejemplo (“Código Da Vinci”). Alcanza el éxito con una novela, pero seguramente firmó un contrato para escribir dos novelas más. Dos repeticiones o refritos sin ningún otro sentido que el de hacer dinero. Porque Dan Brown no trabaja para una editorial sino para una multinacional que fabrica contenido. Y no es lo mismo. El problema es que muchos creadores ya empiezan a pensar de ese modo, y esa no es una actitud artística. Si lo fuera, la frase ‘por amor al arte’ no existiría. El asunto es meterle tiempo a tu obra, no a su difusión.
En cuanto al fuego, es una metáfora. Aunque me gustaría hacer una barbacoa ignicionista en la que todos lleváramos alguna obra propia que no esté a la altura, para hacerla arder.

Vanguardia es el frente, lo más veloz, ¿lo más fugaz?
Vanguardia, como decía Pound, es lo ‘eternamente fresco’. Pero para que algo sea eternamente fresco debe tocar una fibra, un sentimiento universal. No se puede mirar una obra de Mondrian y pensar “esto lo hizo para salir en las revistas o conquistar a una modelo”. Uno ve esas obras y piensa: “aquí necesariamente tiene que haber algo”.

 


Según los ignicionistas, ¿existe un manual de acción para contrarrestar las constantes interrupciones comunicativas entre seres pegados a sus terminales portátiles?

Convertirse en una interrupción sublime.

Es evidente, cada vez más, la presencia de una nueva generación de Hikikomoris en España, donde sin trabajo, muchos huyen de su humillación social escondiéndose en el refugio tan confortable que ofrecen hoy los medios digitales…”rejas para protegerse del miedo”.
También es evidente que el exterior es cada vez más agresivo. La gente consume más alcohol, más drogas y más fármacos, o sea drogas legales, pero no por vicio sino porque este planeta es cada vez más insoportable para las almas sensibles. Es como vivir constantemente en una discoteca llena de gente, ¿quién en su sano juicio quiere vivir constantemente rodeado de ruido, humo y gente propulsada por sus instintos más básicos? Mejor drogarse en casa y asomarse al mundo desde ahí, para al menos poder dosificar la violencia imperante.
Yo soy hikkikomori… y a mucha honra.

[Blog de Claudio Molinari y la experiencia diaria de un hikikomori http://claudiomolinaridassatti.tumblr.com/










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Más que virtualidad aumentada, ¿realidad disminuida?
La realidad aumentada es hacia donde se dirige la corriente. Pero quien se dedique a un quehacer artístico o creativo jamás debe hacer lo que hace la masa. No por esnobismo sino porque para poder estudiar la sociedad -y por tanto vernos a nosotros mismos- uno debe plantarse lo más afuera de ella que le sea posible. Esa es la tarea de un artista. El resto es el trabajo de los grandes productores de música, televisión y cine, además de los gestores de los museos de arte contemporáneo, el nuevo opio de las masas.

¿Existe el silencio en la era digital?
Encontrarlo es la única meta de la inteligencia. Sin silencio no hay posibilidad de discernimiento, que es la materia prima necesaria para diferenciar el ruido del conocimiento

Arturo Triviño

HÉCTOR ESCOBAR GUTIERREZ, EL HERESIARCA NEGRO.

Sábado 18 de octubre 2014. Ha muerto el Hierofante negro, Héctor Escobar Gutierrez, poeta ocultista y hermetista. Fiel seguidor de las enseñanzas de Aleister Crowley, y  Szandor LaVey. Visionario de los profundos arsenales donde duerme amortajado el pueblo de los metales. Que el ángel de la estrella venusina lo acoja en su claridad de fuego y de rubíes; donde fundirá su alma de heresiarca en el crisol luminoso del Baphomet.

G.D.NN.